Nyheder

John Singer Sargent

John Singer Sargent


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

John Singer Sargent, det ældste overlevende barn af amerikanske forældre, Dr Fitzwilliam Sargent (1820–1889) og hans kone, Mary Newbold Singer (1826–1906), blev født i Firenze den 12. januar 1856. Hans mor kom fra en meget velhavende familie i Philadelphia.

Han studerede maleri i Italien og Frankrig og forårsagede i 1884 en sensation i Paris Salon med sit maleri af en ung socialite ved navn Virginie Amélie Avegno Gautreau. Udstillet som Madame X, klagede folk over, at maleriet var provokerende erotisk.

Hans biografer, Elaine Kilmurray og Richard Ormond, har argumenteret: "Dens stort set fjendtlige modtagelse var en faktor, der ansporede til hans beslutning om at forlade Paris til London. Sargent var allerede blevet bedt om at male medlemmer af Vickers -familien (forbundet med det berømte rustningsfirma) i England "I løbet af de næste par år etablerede han sig som landets førende portrætmaler. Dette omfattede portrætter af Joseph Chamberlain (1896), Frank Swettenham (1904) og Henry James (1913). Sargent foretog flere besøg i USA, hvor han såvel som portrætter arbejdede på en række dekorative malerier til offentlige bygninger såsom Boston Public Library (1890).

I London blev han venner med Henry Tonks og William Rothenstein. Han besad en enorm appetit og blev korpulent i middelalderen. Rothenstein påpegede i Mænd og erindringer (1932), at han plejede at besøge "Hans Crescent Hotel, hvor han fra table d'hôte -frokosten på flere kurser kunne dæmpe sin gargantuanske appetit".

Sargent blev periodens vigtigste portrætmaler og krævede meget høje priser for sit arbejde. Han modtog 2.100 pund for Damerne Alexandra, Mary og Theo Acheson (1902), £ 3.000 for sin gruppe læger Professorer Welch, Halsted, Osler og Kelly (1906) og £ 2.500 for hans maleri af familien Marlborough.

Sargent tilbragte det meste af første verdenskrig i USA. I 1918 fik Sargent til opgave at male et stort maleri for at symbolisere samarbejdet mellem britiske og amerikanske styrker under krigen. Sargent blev sendt til Frankrig med Henry Tonks. En dag besøgte Sargent en skadestation i Le Bac-de-Sud. Mens han var på skadestationen, oplevede han en ordnet leder en gruppe soldater, der var blevet blændet af sennepsgas. Han brugte dette som emne for en naturalistisk allegorisk frise, der skildrede en række unge mænd med deres øjne forbundne. Forgasset blev hurtigt et af de mest mindeværdigt hjemsøgte billeder af krigen. Mens han var i Frankrig malede Sargent også Det indre af et hospitalstelt (1918) og En gade i Arras (1918).

Det er blevet hævdet af Elaine Kilmurray og Richard Ormond: "Det indtryk, der fremkommer af beskrivelser af hans sitters, er af en energisk, afgørende og drevet kunstner. Der er historier om Sargents hastende til og fra staffeliet, totalt absorberet og placerede sine penselstrøg i gestus af absolut præcision, af skrigene fra frustration, da han gnidede ud, skrabede ned, omarbejdede og kæmpede med repræsentationens problemer, råb, der var præget af hans milde eksplosioner ... Indimellem skyndte han sig til klaveret og spillede som en kort pusterum fra maleriet. Han var enstemmig om, hvad han ville opnå og ville ikke lægge indblanding i-en tilgang, der var født af professionel selvtillid frem for personlig arrogance, hvorfra han var bemærkelsesværdigt fri. Han insisterede på retten til at vælge sin sitters kostumer og tilbehør, og tog rask undtagelse fra kommentarer fra hans sitters og deres familier om sandheden om de ligheder og karakteriseringer, han skabte. "

Cynthia Asquith hævder, at han var en "nysgerrig uartikuleret mand, han plejede at sprutte og gispe, næsten knurre af belastningen af ​​at forsøge at udtrykke sig; og nogle gange, som Macbeth ved dolken, ville han bogstaveligt talt koble sig i luften i frustrerede bestræbelser på at finde, hos mange mellemled 'ers' og 'ums', de mest almindelige ord. " Vernon Lee, en meget nær ven, tilføjede: "Han var meget genert, da jeg formoder en vag fornemmelse af, at der var digtere om ... Jeg synes, at John er enestående fordomsfri, næsten for ærligt ærlig i sine domme ... Han talte kunst og litteratur, bare som tidligere, og derefter, ganske ubudt, satte sig ned til klaveret og spillede alle mulige slags ting. "

Evan Charteris, forfatteren til John Sargent (1927), har skrevet: "Han læste ingen aviser; han havde den mest skitserede viden om aktuelle bevægelser uden for kunst; hans modtagelige troværdighed fik ham til at acceptere fabelagtige oplysninger uden spørgsmål. Han ville have været forvirret at svare, hvis han blev spurgt, hvordan ni -Tiendedele af befolkningen levede, han ville have været forbløffet, hvis han blev spurgt, hvordan de blev styret. "

John Singer Sargent døde i søvne den 15. april 1925 hjemme i Tite Street efter at have fået et hjerteanfald. Han blev begravet på Brookwood Cemetery, Woking, den 18. april.


El Jaleo

El Jaleo er et stort maleri af John Singer Sargent, der skildrer en spansk sigøjnerdanser, der optræder under akkompagnement af musikere. Malet i 1882, hænger det i øjeblikket på Isabella Stewart Gardner Museum i Boston.

El Jaleo
KunstnerJohn Singer Sargent
År1882
MediumOlie på lærred
Dimensioner237 cm × 352 cm (93 tommer × 138 tommer)
BeliggenhedIsabella Stewart Gardner Museum, Boston


John Singer Sargent besøger fronten

Der er mange måder at vinde en krig på, og de fleste af dem kræver hårdt og ubarmhjertigt arbejde - hvad Winston Churchill kaldte “blod, slid, tårer og sved. ” Men drømmen om en genvej har altid blændede hære og deres chefer. Militærhistorien er præget af forsøg på taktiske mesterslag designet til at gøre langsom fremgang til pludselig, overbevisende sejr. Endnu mere lokkende, og lige så usikker i virkningerne, har været håbet om et teknologisk gennembrud, der kunne give den ene side ubestridt overlegenhed over sine modstandere. Jakten på en afgørende opfindelse er lige så gammel som eksperimenterne med taktik. Uanset om det var Archimedes ’ brug af skjolde som spejle til at fokusere sollys og brænde fjendtlige skibe, eller udviklingen af ​​stigbøjlen for at stabilisere ryttere i kamp, ​​eller opfindsomheden overdrev våben til at kaste projektiler - fra armbrøst gennem de mange forskellige anvendelser af krudt generaler, der leder efter en ekstra fordel, har været blandt historiens mest opfindsomme og vedholdende eksperimenter. Og hver gang en ny dødelig enhed viste sig effektiv, blev den hurtigt efterlignet, modvirket, forfinet og i sidste ende lavet standardudstyr, indtil den næste opfindelse dukkede op. I nyere tid har forbedringer i teknologi fremskyndet denne proces, men med undtagelse af atombomben har opfinderens og ingeniørens indvirkning på krigsførelse aldrig været så spektakulær som under første verdenskrig.

Især tre krigsinnovationer gjorde, at soldatens oplevelse mellem 1914 og 1918 var radikalt anderledes end den havde været i tidligere konflikter. Først var flyet, der kom fra Wright -brødrene ’ tegnebrættet lidt mere end et årti før krigens start. Det tager sjældent militæret lang tid at finde en måde at anvende et teknologisk gennembrud på, og i dette tilfælde havde de været interesseret i luftvåben i nogen tid. Under et oprør mod det østrigske imperium i 1849, for i virkeligheden blev Venedig angrebet af en ubemandet ballon med brændende anordninger. Uundgåeligt kom fly til at tjene som våben. Ved slutningen af ​​første verdenskrig kunne nogle bære mere end et ton bomber. Og takket være en bemærkelsesværdig ingeniørbedrift-oprettelsen af ​​det synkroniseringsudstyr, der tillod affyring af et maskingevær gennem et hvirvlende propelfly, var i stand til ikke kun at skyde hinanden lettere ned, men også at straffe tropper på jorden.

Den anden innovation var tanken, et pansret køretøj udtænkt af en englænder, Ernest Swinton, som et resultat af ægteskabet mellem to opfindelser: forbrændingsmotoren og traktoren af ​​larve-typen. Deres kombination skabte det første stykke våben, der kunne modstå maskingeværild midt i riggenes krigsførelse, og det var snart et almindeligt syn i Frankrig. I slutningen af ​​1917 lancerede englænderne det første massive tankangreb - næsten fire hundrede smadrede gennem fjendens linjer - i slaget ved Cambrai, og dens første succes forvandlede terrænkamp.

Men det var den tredje af de teknologiske fremskridt, der forårsagede den mest dybe rædsel og frygt: giftgas. Ideen om et sådant våben var ikke nyt-de gamle grækere havde brugt svovldampe til at sprede fjender-men kemiens fremskridt havde gjort faren mere vidtrækkende, og i 1800-tallet havde modstanderne aftalt ikke at bruge den. Disse aftaler faldt imidlertid fra hinanden, da tyskerne, frustreret over dødvandet, lancerede en kæmpegrøn-gul sky, fyldt med klor, mod canadiske skyttegrave nær Ypres i april 1915. Angrebet åbnede et hul på fire mil i linjerne, men den næste dag havde de allierede identificeret gassen og begyndt at tage modforanstaltninger. Stadig flere dødelige sorter, især sennepsgas, blev produceret i løbet af de næste tre år af begge sider, men for al den trussel, disse kemikalier udgjorde, var deres levering (hovedsageligt ved vind, skal og bombe) for vanskelig for dem at have en afgørende afgørelse effekt på slagmarken.

Ingen kunstnere kunne have virket mere usandsynlige for at producere det mest hjemsøgende billede af denne krig end den amerikanske maler John Singer Sargent. Født i 1856 i Firenze, Italien, søn af en kirurg, der havde opgivet sin Philadelphia -praksis med at rejse i Europa, havde Sargent en forkælet, men peripatisk barndom. Hans familie var næsten altid på farten, og han brugte sine første 18 år på at rejse blandt de vigtigste europæiske byer og feriesteder. Kosmopolitisk og flydende på fire sprog begyndte Sargent at tegne i en ung alder, opmuntret af sin mor, der selv havde taget vandfarver. Hans talent var indlysende, og i 1874 begyndte han det seriøse kunststudium i Paris. I 1880'erne var han en kendt skikkelse i parisiske kunstneriske og litterære kredse, udstillede på salonen og modtog kommissionsmissioner fra de socialt fremtrædende.

I 20'erne og 30'erne besøgte Sargent Amerika et antal gange, og det var der, han begyndte at vinde stor ry som portrætmaler, et ry, der først voksede, da han bosatte sig i England i 1890'erne. I London blev han fast inventar i et højt samfund, blev valgt til Royal Academy og dyrkede venskaber, der spænder fra aristokratiske familier til romanforfatteren Henry James og komponisten Percy Grainger. Det var i disse år, at Sargent skabte sit varemærkeværk drømmende landskaber, smukt observerede byscener og frem for alt portrætter af elegante, æteriske hunner, yndige børn og skarpe øjne, ofte sløve mænd. I begyndelsen af ​​50'erne besluttede han dog at skære ned på portrætkommissionerne og den sociale hvirvel og primært hellige sig værker i større skala og skildringer af de steder, han besøgte under sine mange rejser, især hans elskede Italien.

Dette var tallet fra haut monde, mesteren over nåde og delikatesse, som den britiske regering usandsynligt bad i foråret 1918 om at rejse til frontlinjen for at registrere sine indtryk af en frygtelig krig. Mindesudvalget for informationsministeriet tilbød kommissionen mod et nominelt gebyr, og premierministeren, David Lloyd George, skrev personligt til Sargent for at overtale ham til at acceptere. Han blev enig, forlod i juli med sin medkunstner og ven Henry Tonks og blev i et par måneder i Frankrig og skitserede og arbejdede meget i det medie, hans mor havde elsket, akvarel.

Mødet med krigen inspirerede til en dybde af følelse i Sargent, som der var lidt præcedens for i hans tidligere arbejde. Det er for eksempel bemærkelsesværdigt, at kvaliteterne i forbindelse med hans kunst - bløde farver og opmærksomhed på arkitektoniske detaljer - er overvældet af Gade ind Arras ved sin kommentar til kampens virkninger. Sargent blev indkvarteret et stykke tid i Arras, og denne næsten dokumentariske oversigt over tid og sted kontrasterer vraget til venstre med den tidligere elegance af et fint hus og kedsomheden for de tropper, der tager den hvile, de kan fra kampene. Ødelæggelsen af ​​skønhed er blevet et spørgsmål om fuldstændig ligegyldighed over for soldaterne, der er dens årsag.

Sargent var også opmærksom på det nye våben, og to af hans akvareller antyder, i det mindste implicit, dets ultimative meningsløshed. En ødelagt tank viser lidt tegn på en engang formidabel maskine. Forladt på landet er et par snoede metalstykker, levn fra en eksplosion og nu ikke mere end et rustende vidnesbyrd om destruktiviteten afspejlet i den lille række kryds, der tyder på gravmærker, nær dammen bag tanken.

Og i Nedbrudt fly beskeden er svær at gå glip af. Vraget er i baglandet, ironisk nok undersøgt af soldater til fods og på en hest, et enkelt eksempel på hastighed og mobilitet. Men i forgrunden fortsætter landmandens liv, upåvirket af kaoset i den tilstødende mark. Scenen minder om det berømte lærred af Pieter Bruegel, Icarus 'fald, som hang i Musee des Beaux-Arts i Bruxelles, og hvori med W.H. Auden, “ alt vender sig/Ganske roligt fra katastrofen plovmanden kan/Har hørt sprøjtet, det forladte råb,/men for ham var det ikke en vigtig fiasko. ” For Sargent måtte livet også sejre over død.

Alligevel var det det tredje af de nye våben, der rørte Sargent til at skabe sit mesterværk. Han klagede ikke, da han blev beskudt eller delte frontens barske forhold, men han talte om et rystende syn, en mark fuld af gassede og blinde foldede mænd. ” Han lavede skitser af det, han så, og da han kom tilbage til London, var han enig med Memorials Committee om, at hovedværket fra hans kommission ville være et enormt lærred-det viste sig at være 20 fod langt og ni fod højt tituleret Forgasset.

Maleriet fremkalder elendighed og kvaler fra første verdenskrig, og det gør det - som så ofte var tilfældet med denne stærkt dyrkede kunstner - ved at trække på historiske billeder. Til at starte med, Forgasset ekko de militære processioner, der er så velkendte i oldtidens og renæssancekunsten. Men det resonerer også med det middelalderlige tema om dødedansen og ganske specifikt med et andet gribende maleri af Bruegel, Den blinde leder de blinde. Henry Tonks beskrev den scene, de var stødt på på Arras -vejen i august 1918: “ The Dressing Station … bestod af et antal hytter og et par telte. Gasede sager blev ved med at komme ind, ledet af en ordnet. De sad eller lagde sig på græsset, der må have været flere hundrede, der åbenbart led meget. ” Dette var scenen, forårsaget af et overraskende sennepsgasangreb, som Sargent besluttede at minde om.

Under en himmel, hvis farve minder om gassen, vakler en række blindfoldede soldater mod teltet til højre. Omkring dem ligger andre ofre, og en anden gruppe nærmer sig. På himlen, over en bleg sol, der også fremkalder Bruegel, forbliver bittesmå fly i kamp, ​​mens i det fjerne slapper nogle soldater, der slap fra angrebet, i et fodboldkamp og ignorerer den smerte, der omgiver dem. Alligevel er det det centrale bord for ni synet færre mænd, der stadig bærer deres grej og deres våben, der fanger vores opmærksomhed. De bliver hjulpet sammen af ​​to ordensmænd, hvoraf den ene advarer om et lille skridt, og som svar løfter den tredje soldat i en gestus, der markerer dette som et øjeblik fastfrosset i tid, foden til overdreven højde for at undgå at snuble. Optogets monumentale skala giver det en heroisk rollebesætning, og der er ingen tvivl om, at kunstneren både dokumenterer pine forårsaget af en grusom form for krigsførelse og skaber en dybt bevægende hyldest til de mænd, der kæmpede midt i lidelsen. Malingen omdanner en påskønnelse af Sargent, intet andet kunstværk formidler mere kraftfuldt både raseri og styrke fra 1. verdenskrig. MHQ

THEODORE K. RABB er professor i historie ved Princeton University.

Denne artikel udkom oprindeligt i sommeren 1999 -udgaven (bind 11, nr. 4) af MHQ - The Quarterly Journal of Military History med overskriften: John Singer Sargent besøger fronten

Vil du have den overdådigt illustrerede, trykte udgave i topkvalitet af MHQ leveret direkte til dig fire gange om året? Tilmeld dig nu med særlige besparelser!


To minutters kunsthistorie: John Singer Sargent og Venedigs maleriske romantik

Mest kendt for sine bravura -olieportrætter, John Singer Sargent (amerikansk, 1856 - 1925) blev lige så udført som en akvarelmaler. Han valgte ofte mediet til hurtige landskabsundersøgelser på sine rejser, en praksis, der begyndte, da han som barn ledsagede sine forældre på maleriske ture i Europa.

Kunsthistorikeren Barbara Dayer Gallati forklarede kortfattet Sargents talent: ”I det væsentlige var hemmeligheden bag Sargents succes som akvarelist hans evne til at opnå en sjælden og udsøgt balance mellem malerisk frihed og disciplin, som begge kun kunne komme fra mange års kig og maleri . ”

Venetiansk kanal af John Singer Sargent (1913 akvarel og grafit på papir, 15¾x21)

Maleri Serenissima

Sargents akvarelstudier fandt deres mest geniale udtryk i Venedig, en by, der i slutningen af ​​1800 -tallet var blevet en umådeligt populær destination for kunstnere. Sargent besøgte først Venedig i begyndelsen af ​​1880'erne og gjorde det til et regelmæssigt stop på sin rejseplan mellem 1898 og 1913.

Han viste sig akvareller som Venetiansk kanal med hvad der ser ud til at være sædvanlig svaghed, glæde sig over arkitekturen og vandets nærhed set under en klar blå himmel.

Disse visuelle rejsebeskrivelser var en flugt fra bestilte portrætter. Mennesker, når de overhovedet er inkluderet, er fjerntliggende tilstedeværelser betegnet med et par flasker af penslen. Hele vejen igennem Venetiansk kanal, finder man tegn på Sargents "udsøgte balance mellem malerisk frihed og disciplin."

De 6 ekstraordinære dele af maleriet

#1 Synspunktet antyder, at Sargent sad i en gondol. Han malede faktisk mange af sine venetianske akvareller fra dette unikke udsigtspunkt.

#2 Kunstneren lå på himlen med en blå vask, lidt lysere i horisonten. Dens uudsmykkede vidde er et rent kontrapunkt til virvar af venetiansk arkitektur og refleksioner.

#3 Sargents akvareller kan virke improviserede, men han begyndte dem ofte med en let blyantnotation. Man kan se spor efter den indledende tegning af arkitektoniske elementer, som i konturerne af det fjerne kirketårn.

#4 For bygningerne til venstre malede Sargent arkitektoniske detaljer vådt på tør for større kontrol og for at skabe skarpe kanter, hvor lys og skygge interagerer. I bygningerne til højre malede Sargent vinduerne våde i våde, så formerne bløder og læser mindre tydeligt inden for skyggerne.

#5 I en passage lige til højre for midten angiver en række skarpe vandrette streger en lille forstyrrelse af vandets overflade. På trods af den tilsyneladende frihed i deres anvendelse svarer refleksionerne tæt til de former og farver, de afspejler.

#6 Sargent forstod lineært perspektiv. De kraftige diagonaler på hver side af maleriet fører øjet til et stoppested: kirketårnet. I mellemdistancen spænder en bro over kanalen og fungerer som en vigtig sammensætningsindretning.

Mere kunst du elsker

Denne to-minutters kunsthistorielektion er en blandt de mange inspirerende og kunstneriske artikler, der leveres i hvert nummer af Akvarel kunstner magasin. Få dit abonnement nu, og vær aldrig uden den kunst, du elsker!

Artikel skrevet af Jerry N. Weiss og blev omtalt i Akvarel kunstner magasin. Klik her for at få dit abonnement.

Weiss er en forfatter, der bidrager til fine kunstblade og underviser i Art Students League i New York.


Om mode

Sytten år gammel på det tidspunkt, hvor portrættet blev malet, Elsies garderobe og mode i det falder lidt i et gråt område. Ikke helt en kvinde, men alligevel ikke helt et barn, skildrer Sargent Elsie fanget på kanten af ​​ungdomsårene. Hendes hår er nedslidt med korte stumpe pandehår eller pandehår i en stil, der dengang kun var acceptabel for børn, men alligevel er hendes tekjole lang og fyldig, en silhuet, der ville have været alt for druknende for et barn. På netop denne sammenstilling skriver Barbara Dayer Gallati i Store forventninger: John Singer Sargent Painting Børn:

“Elsies sibyllin -ansigt svarer til de mystiske følelsesmæssige og fysiske transformationer, der var forbundet med [ungdom]. Ideen om ungdom opnåede bemærkelsesværdig kraft på kulturelle og videnskabelige arenaer omkring 1890, hvor studier (både litterære og videnskabelige) fokuserede på årene, der bygger bro mellem barndom og voksenalder og tilbød fortolkning af det ikke kun som en fysisk opvågning af seksualitet, men også som et evolutionært stadium ”(126).

Med dette i tankerne skal stilen på Elsies tøj vurderes med både dametøj og børnetøjstendenser i tankerne. I slutningen af ​​1880'erne og begyndelsen af ​​1890'erne var den mest fashionable kvinders silhuet en af ​​volumen og overskud. En af de største mode var travlheden, der bestod af en slags struktur under nederdelen for at give volumen bagpå. De fleste modeplader og modepresse (fig. 5) repræsenterede begrebet "mere er mere", dvs. mere volumen, buer, skær, rosetter, dikkedarer, læg og blonder (Calahan). Selvom Elsies kjole kan have nogle af disse detaljer, som satinrammen og plisseret nederdel, lever hendes kostume bestemt ikke op til den fylde og storhed, der blev offentliggjort i datidens modeblade. I børnetøj var mindre tilpassede, mere legende silhuetter populære. Måske er modepladen fra 1890, som Elsies kjole også ligner mest, en børnetøj, komplet med høj hals, satinbælte, samlet bodice og løs plisseret nederdel (fig. 6). Elsies kostume præsenterer sig imidlertid med meget mere længde og modenhed end tøjet til en lille pige.

Således, uden at være i fuld overensstemmelse med ét sæt stilretningslinjer, befinder Elsie sig på udkanten af ​​almindelig mode, og man må se på tendenser, der endnu ikke blev annonceret i større publikationer. Æstetisk kjole var en af ​​disse outcast tendenser, der blev afvist af den almindelige modebevægelse og modepresse i årtier. I Modeplader: 150 års stil, April Calahan beskriver tendensen:

"Med hensyn til tøj var medlemmerne af den æstetiske bevægelse tilhængere af kjolereform og fortalere for" kunstnerisk kjole ", som for kvinder var præget af en lempelse af korsettet, manglen på en travlhed og en løsere, draperet pasform, der ofte var inspireret af historisk påklædning ”(274).

Fig. 5 - Kunstner ukendt (fransk). Journal des Demoiselles, 1. januar 1889. New York: Specialsamlinger, bibliotek på Fashion Institute of Technology. Kilde: Forfatter

Fig. 6 - Kunstner ukendt (fransk). Journal des Demoiselles, 1. maj 1889. New York: Særlige samlinger, bibliotek på Fashion Institute of Technology. Kilde: Forfatter

Fig. 7 - James Jebusa Shannon (irsk, 1862-1923). Violet, hertuginde af Rutland, 1889. Olie på lærred. Leicestershire: Belvoir Slot. Kilde: Pinterest

Fig. 8 - Liberty & Co. (britisk, 1875-). Tekjole, ca. 1885. Silke. Privat samling. Kilde: Pinterest

Fig. 9 - Liberty & Co. (britisk, 1875-). Kjole, 1891. Silke. New York: Metropolitan Museum of Art, C.I.68.53.9. Gave til fru James G. Flockhart, 1968. Kilde: Metropolitan Museum of Art

“The Rational Dress Society protesterer mod indførelsen af ​​enhver form for kjole, der enten deformerer figuren, hindrer kroppens bevægelser eller på nogen måde har en tendens til at skade helbredet. Det protesterer mod at bære tætsiddende korsetter, af højhælede eller smalle støvler og sko: af stærkt vægtede nederdele, hvilket gør sund træning næsten umulig og af alt at binde kapper eller andre beklædningsgenstande, der hindrer armenes bevægelse. Det protesterer mod crinoliner eller crinoletter af enhver art som grimme og deformerende. ” (1)

Overlevende beklædningsgenstande fra den æstetiske kjolebevægelse fra 1800 -tallet fremhæver den enklere og mindre begrænsede silhuet, der afspejler figurens kjole i Frøken Elsie Palmer. Med taljer, der er optaget af satinramme snarere end restriktive korsetter, viser disse kjoler (fig. 8-9), at selvom Elsies kostume muligvis ikke var i overensstemmelse med de almindelige tendenser i sin tid, malede Sargent stadig et fashionabelt look (selvom det måske har kun været på mode i øjnene af ligesindede liberale kvinder).

Med sine lange lige hårlokker, der faldt til hendes skuldre som et barn og hendes hvide satin kjole, der afviste standardmode for almindelig mode, befinder Elsie sig på grænsen til to rasende kampe: kvinde eller barn og almindelig mode- eller kjolereform. Ikke desto mindre Sargent's Frøken Elsie Palmer er et fascinerende maleri fuld af dikotomi og modehistorie.


John Singer Sargents hemmelige mus

Isabella Stewart Gardner-museet i Boston udforsker forholdet mellem den berømte kunstner og hans nu berømte model.

Denne artikel er en del af vores nyeste Museer specialafdeling, der fokuserer på skæringspunktet mellem kunst og politik.

Thomas McKeller arbejdede som elevatoroperatør på et elite -hotel i Boston. Hans liv, der strakte sig over første halvdel af det 20. århundrede, var stort set uberettet.

Men ansigtet til McKeller, som var afroamerikansk, er overalt i Boston i arbejdet med en af ​​de mest fremtrædende malere i den forgyldte tidsalder, John Singer Sargent. McKeller optræder som klassiske guder og gudinder i et vægmaleri i rotunda af Museum of Fine Arts, Boston som soldat fra første verdenskrig i et trappeopgang på Harvard University's Widener Library og som kroppen i et portræt af A. Lawrence Lowell, en tidlig Harvard-præsident fra det 20. århundrede.

Men McKeller fremstår aldrig som en sort mand. I alle disse betydningsfulde værker bliver hans krop snarere en af ​​en hvid mand, en gud, endda en indianerleder.

"Bostons Apollo: Thomas McKeller og John Singer Sargent", en udstilling på Isabella Stewart Gardner Museum i Boston, fjerner den maske. Udstillingen fokuserer på Sargents forberedende tegninger til M.F.A. - alle forskellige skitser af McKeller - sammen med andre malerier og fotos af værker, der brugte hans lighed.

"John Singer Sargent er en af ​​de elskede malere af tidlig amerikansk kunst - han er kanonisk," sagde Nikki A. Greene, adjunkt i kunst ved Wellesley College. Sargent behandler McKellers "krop med stor omhu, men vi ved også, at der ikke er spor af ham - det er en hvidkalkning af denne mand og hans historie og hans krop og ansigt."

Viljen til at se et nyt blik på veletablerede kunstnere og kunstværker-især racemæssigt-"er en af ​​de tendenser, vi ser på museer over hele landet," sagde professor Greene.

Og det faktum, at Gardner, et traditionelt konservativt museum, valgte at montere udstillingen, indikerer en ny åbenhed og måske appellerer til et nyt publikum, tilføjede hun.

Showet, der løber frem til den 17. maj, opstod ved et uheld. Dets kurator, Nathaniel Silver, blev bedt om at trække noget arbejde fra opbevaring om en anden kunstner, "og jeg stødte på noget helt andet, som jeg ikke vidste noget om," sagde han.

”Det var en kæmpe portefølje-på størrelse med et skrivebord-og inde i den var 10 storformatværker på papir, ni kultegninger og en litografi af John Singer Sargent. Størstedelen af ​​dem skildrede en mand. ”

Da han så nærmere på, indså han, at manden var sort, hvilket var usædvanligt for Sargents arbejde, "og da jeg indså, at de fleste var af samme person, ville jeg finde ud af mere," tilføjede han. Dr. Silver er museets hovedkurator.

Han lærte, at manden var McKeller, der havde modelleret for Sargent mellem 1916 og 1921 for en række opgaver for Museum of Fine Arts. I alt var McKeller Sargents betalte model i omkring et årti.

"Dette slog mig straks, fordi den model, jeg havde på tegningerne, klart var sort, og ikke en eneste figur i vægmalerierne var sort," sagde Dr. Silver. "Poserne var de samme, men Sargent havde fuldstændig omdannet sin race - og i nogle tilfælde også hans køn."

Yderligere grave afslørede et langvarigt forhold mellem Sargent og McKeller som kunstner og model, selvom det ikke er endeligt kendt, menes det muligt, at forholdet også var romantisk.

Under alle omstændigheder sagde Dr.

Showet indeholder også Sargents eneste monumentale mandlige nøgen og hans eneste portræt af McKeller som ham selv - et slående maleri, der normalt hænger i M.F.A. Værket var ikke bestilt, men noget kunstneren valgte at gøre for sig selv, sagde Dr. Silver.

Besøgende vil også se et foto af en statue af billedhuggeren Cyrus Dallin, af Massasoit, en indianerleder, statuen har udsigt over Plymouth Rock. McKeller var kropsmodellen for denne statut.

Afsløring og opdatering af oplysninger om velkendte kunstværker er en mangeårig praksis. Det blev berømt udført i "The West as America", en udstilling fra 1991 på det, der nu er Smithsonian American Art Museum. Gennem sine vægmærker og kataloger genfortolkede det berømte værker fra det vestlige landskab og Manifest Destiny - troen på, at amerikanerne var bestemt af Gud til at styre det nordamerikanske kontinent - gennem linsen af ​​indvirkningen på indianere og miljøet.

"Der var en meget stærk modreaktion, især af kongresmedlemmer - etiketterne blev set som revisionistiske og meget strenge i deres historiske indhold," sagde Gwendolyn DuBois Shaw, lektor i kunsthistorie ved University of Pennsylvania. »Derefter vovede mange museer, især føderalt finansierede, ikke i den slags udstillingspraksis i lang tid. Der var en virkelig nedkølingseffekt. ”

For nylig sagde hun, "kuratorer og kunsthistorikere har været interesserede i at forsøge at afsløre mere - dels fordi der er mere interesse i at have en robust forståelse af fortiden," sagde hun. Det er også en måde at tiltrække mere forskelligartede publikummer på.

"Jeg vil ikke overdrive, hvor meget dette sker," sagde hun. "Det er vidunderligt, men det er ikke gennemgående." Professor Shaw er også seniorhistoriker og direktør for forskning, publikationer og stipendier ved Smithsonian National Portrait Gallery.

En fremtrædende udstilling for at fremhæve modeller, der stort set var usynlige på grund af deres race, var "Posing Modernity: The Black Model From Manet and Matisse to Today" i 2018 på Wallach Art Gallery ved Columbia University. Det undersøgte betydningen af ​​sorte kvindelige modeller i de tidlige år af europæisk modernisme.

"Boston's Apollo" fejrer McKellers rolle i Sargents arbejde, men skjuler ikke kunstnerens racisme. I sit essay til udstillingens katalog citerer professor Greene racefordelinger, Sargent brugte. “He’s an amazing painter — that doesn’t go away,” she said. “But we need to pause and rethink how he approached Thomas McKeller as a subject.”

The Gardner was careful to consult African-American art historians, community leaders and others to ensure the exhibition was done sensitively. Steven Locke, an artist and professor of fine arts at the Pratt Institute in New York, thinks it worked.

This could have been a show simply about Sargent, said Professor Locke, a consultant to the show. “That would have been very easy to do. But instead, it was a show about a man who was a mystery to all of us,” and it succeeded in “making him three-dimensional.”

“Just think about — there’s a whole suite of drawings Sargent saves at the end of his life and gives to Mrs. Gardner,” he said. “He signed them — he wanted people to know that he had done this. The museum is already finished, so he’s not giving them to her to put on the walls. But he knows at some point the story is going to come out. And who gets to tell it?”


List of works by John Singer Sargent

John Singer Sargent was an American artist, considered the "leading portrait painter of his generation" for his evocations of Edwardian era luxury. [1] During his career, he created roughly 900 oil paintings and more than 2,000 watercolors, as well as countless sketches and charcoal drawings. Hans oeuvre documents worldwide travel, from Venice to the Tyrol, Corfu, the Middle East, Montana, Maine, and Florida.

From the beginning his work was characterized by remarkable technical facility, particularly in his ability to draw with a brush, which in later years inspired admiration as well as criticism for a supposed superficiality. His commissioned works were consistent with the grand manner of portraiture, while his informal studies and landscape paintings displayed a familiarity with Impressionism.

In later life Sargent expressed ambivalence about the restrictions of formal portrait work, and devoted much of his energy to mural painting and working en plein air.


John Singer Sargent, El Jaleo

El Jaleo is housed within the quirky Isabella Stewart Gardner Museum, a Gilded Age art collection that serves as a window into the eponymous collector’s life and unique aesthetic taste. In order to view the painting, you must pass by the sunlit faux-Venetian courtyard and into the shadows of the first floor’s Spanish Cloister. Her El Jaleo hangs at the end of a long hallway, its immense size (over 7 by 11½ feet) almost fully covering the far wall of a dark niche. Its mildly claustrophobic and somewhat out-of-the-way physical location lends the striking oil on canvas one of the most intimate settings for a work of art on display in an American museum.

John Singer Sargent, El Jaleo, 1882, oil on canvas, 232 x 348 cm (Isabella Stewart Gardner Museum, Boston)

The raw passion of the dance

The scene portrayed is a dynamic one: a group of musicians provides the rhythm for a lone flamenco dancer who performs for an audience of clapping listeners. It is a snapshot of a specific point in time: the apex of the dance, a moment rife with energy and sensual drama. The footlights cast haunting silhouettes on the rear wall the raw passion of the dance is palpable. The stark contrasts between murky shadow and dazzling illumination allow the painting to visually pop – a phrase that is often used in describing art but rarely so aptly. Due to the loose, frothy brushstrokes, there isn’t the sense of a true illusionary space, yet the light (and hence the vitality) of the scene seems to emanate outward from within the work, as though El Jaleo commands a life of its own.

American, but born and studied abroad

El Jaleo’s precocious artist, John Singer Sargent, painted the artwork in 1882 at the young age of 26. Both the painting and its creator are evocative of the times, reflective of the nineteenth-century American fascination with, and inherent dependence upon, foreign cultures for both technical training and artistic inspiration.

John Singer Sargent, La Carmencita, 1890, oil on canvas, 229 x 14 cm. (Musée d’Orsay, Paris)

Though labeled an American artist, Sargent was actually born in Florence to a Philadelphia family and traveled throughout his youth and career. In the late 1800s this type of background became the rule rather than the exception, with expatriate Americans taking advantage of the more accessible education opportunities abroad. Beyond the official state écoles (schools), private Parisian ateliers (studios) led by renowned artists offered instruction to admitted American students Sargent studied under one such teacher, Charles Émile Auguste Durand, aka Carolus-Duran. The competitive annual salons (exhibitions) were another draw for foreign-born artists and these venues could win a painting great critical acclaim, as did the Paris Salon of 1882 for El Jaleo.

It was not uncommon for works at the salons to depict exotic subject matter, and Sargent’s admiration for Spanish music and culture was a continuing theme throughout his career, notably resurrected for this 1890 portrait La Carmencita (Musée d’Orsay, Paris).


John Singer Sargent

& quot. John Singer Sargent (January 12, 1856 – April 14, 1925) was an American artist, considered the "leading portrait painter of his generation" for his evocations of Edwardian era luxury. During his career, he created roughly 900 oil paintings and more than 2,000 watercolors, as well as countless sketches and charcoal drawings. His oeuvre documents worldwide travel, from Venice to the Tyrol, Corfu, the Middle East, Montana, Maine, and Florida. & quot

& quot. Before Sargent's birth, his father FitzWilliam (b. 1820 Gloucester, Massachusetts) was an eye surgeon at the Wills Eye Hospital in Philadelphia 1844-1854. After John's older sister died at the age of two, his mother Mary (nພ Singer) suffered a breakdown, and the couple decided to go abroad to recover. They remained nomadic expatriates for the rest of their lives. Though based in Paris, Sargent's parents moved regularly with the seasons to the sea and the mountain resorts in France, Germany, Italy, and Switzerland. While Mary was pregnant, they stopped in Florence, Italy because of a cholera epidemic. Sargent was born there in 1856. A year later, his sister Mary was born. After her birth, FitzWilliam reluctantly resigned his post in Philadelphia and accepted his wife's entreaties to remain abroad. They lived modestly on a small inheritance and savings, living a quiet life with their children. They generally avoided society and other Americans except for friends in the art world. Four more children were born abroad, of whom only two lived past childhood. & quot

& quot. In 1874, on the first attempt, Sargent passed the rigorous exam required to gain admission to the ಜole des Beaux-Arts, the premier art school in France. & quot

& quot. Sargent's first major portrait was of his friend Fanny Watts in 1877, and was also his first Salon admission. & quot

& quot. In the early 1880s Sargent regularly exhibited portraits at the Salon, and these were mostly full-length portrayals of women. & quot

& quot. Sargent was a life-long bachelor who surrounded himself with family and friends. & quot

& quot. In December 2004, Group with Parasols (A Siesta) (1905) sold for $US 23.5 million, nearly double the Sotheby's estimate of $12 million. The previous highest price for a Sargent painting was $US 11 million. & quot

SOURCE: Wikipedia contributors, 'John Singer Sargent', Wikipedia, The Free Encyclopedia, 11 July 2011, 15:30 UTC, <http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=John_Singer_Sargent&oldid. > [accessed 22 August 2011]


Lisa's History Room

"Madame X" by American portrait painter John Singer Sargent, 1884

In the Metropolitan Museum of New York hangs a seven-foot tall portrait of a rather pale woman in a black velvet evening dress held up by sparkly straps. “Madame X” was painted by the American society painter John Singer Sargent. The subject of the painting is Madame Virginie Gautreau, a professional beauty, who moved in the top tiers of Paris society and was often mentioned in the scandal sheets for her numerous dangerous indiscretions and passion for self-display. It was 1884 and Madame Gautreau was the Talk of Paris.

It was only a year earlier that John Singer Sargent had met her at a party. Once he laid eyes on her, he knew at once he must paint a portrait of her as an homage to her beauty – and a boost to his lagging career. He felt that if he painted her, all Parisian society women would flock to his studio demanding that he paint their portraits. Sargent sent word to Madame Gautreau that she must sit for a portrait she consented, realizing that a rising tide lifts all boats. She, too, needed the publicity to maintain her social superiority. Once they agreed, Sargent began to paint, devoting himself to capture the “strange, weird, fantastic, curious beauty of that peacock-woman, Mme. Gautreau,” noted one observer.

Madame Gautreau was rumored to take great pains to be beautiful:

Gautreau achieved her affected, highly artificial look with hennaed hair, heavily penciled brows, rouged ears and powdered skin. She was rumored to mix her powder with mauve tint and to ingest arsenic wafers to make her skin more translucent, giving it even more of a bluish-purple tint.

Not all thought she was lovely to look at. She had her detractors. Some said her white pallor and icy charm made her resemble a cadaver.

"Madame X" is shown as it must have originally appeared

The painting that hangs in the Met today, “Madame X,” however, is not the same Madame X as the one that Sargent painted in 1884 and exhibited in Paris. That image no longer exists. We can only speculate what it looked like. The painting shown to the right here is what it may have looked like. That original, the one exhibited in Paris in 1884, showed Madame Gautreau’s dress with the right strap suggestively falling off her shoulder. (Compare to the painting at the top, the one at the Met. Her right strap, you’ll notice, sits firmly in place.)

When exhibited in Paris, the painting “with the falling strap” created an instant sensation but not in the way Sargent and Gautreau had hoped:


No sooner had the doors of the Palais de l’Industrie in the Champs-Élysées opened on May 1, 1884, than a crowd gathered in front of ”Madame X.” People hooted and pointed the tips of their umbrellas and canes at the painting. ”Look! She forgot her chemise!* ” was heard over and over again. The critics were no kinder. ”Of all the undressed women at the Salon this year, the most interesting is Madame Gautreau . . . because of the indecency of her dress that looks like it is about to fall off,” wrote a critic for L’Artist. (*A chemise is a woman’s undergarment, a smock, that is worn under clothing and next to the skin. In that day, a French lady always wore a chemise under a dress.)

The painting was considered too provocative sex pervaded it. Not even an actress, it was remarked, would wear a dress that shockingly low-cut and snug! And that strap! A little imagination conjured up a scene in which a slight struggle with a lover might knock Madame X’s right strap completely off her shoulder leading to… ! Paris was abuzz with the scandal. Madame Gautreau’s mother demanded that Sargent withdraw the painting from the exhibit. He refused.

John Singer Sargent in Paris studio 1885 with the revised painting of Madame X

The painting, considered a beloved masterpiece today but pornographic by 1884 Parisian standards of decency, was trashed by the Paris critics so badly that Sargent, having lived in Paris for a decade then, was eventually forced to move to London to continue his profession. Sargent revised the painting to show the gown’s right strap securely in place. It is this retouched painting that hangs in the New York Metropolitan today.

Zip ahead to 1938 and the Upper East Side of Manhattan. Dorothy Hale was wearing her Madame X dress when she jumped to her death from her penthouse apartment. To learn more, read “Frida Kahlo: The Suicide of Dorothy Hale.”


Se videoen: The Forgers Masterclass - - John Singer Sargent (Kan 2022).


Kommentarer:

  1. Gogore

    We highly suggest that you visit a site that has a lot of information on the subject you are interested in.

  2. Cleit

    I can suggest to go to the site, which has a lot of information on this issue.

  3. Ecgfrith

    Can not decide.

  4. Court

    Jeg lykønsker, hvilke ord ..., bemærkelsesværdig idé

  5. Newlyn

    Samme...

  6. Meztibei

    Jeg synes, du indrømmer fejlen. Vi vil undersøge dette.



Skriv en besked